Prométeme

Es la última tragicomedia grotesca de Emir Kusturica. En la linea de films suyos anteriores como Gato negro, gato blanco, nos encontramos con su particular manera de tratar lo general desde lo particular. En esta ocasión, la contraposición entre la vida en el campo y la vida en la ciudad, entre el amor en el atardecer de la vida y el amor jovial de la adolescencia, están presentes de manera paralela al argumento principal. El protagonista, Tsana, un muchacho, promete a su abuelo, próximo a la muerte, que irá a la ciudad a vender una vaca, comprar un icono de San Nicolás, hacerse un regalo y encontrar novia. En la ciudad conocerá todo tipo de variopintos personajes caricaturizados (todo es una grotesca caricatura) y se verá envuelto en una trama mafiosa con recalificaciones de terrenos, drogas, prostitución... y donde los villanos son bien graciosos, y hasta simpáticos, de esos que solo los hay en los tebeos. Disparate tras disparate, la trama se va ligando al compás de una música esquizofrénica que a todo ritmo acompaña toda la acción. Sin duda, puede gustar más o gustar menos este tipo de cine, pero lo que es seguro es que quién vaya a verla se va a reir un buen rato.

La Cabina

En “La Cabina” nos encontramos con la escena angustiosa que roza la paradoja de un hombre encerrado en una cabina, ese mobiliario urbano que está en vías de extinción en nuestras urbes.

Una cabina y un hombre (López Vázquez) que entra dentro. Hasta aquí normal. Pero a partir de aquí se crea una situación surrealista que poco a poco va pasando de la comicidad a la angustia que aumenta con cada minuto que pasa.

Hay dos cosas que me llaman la atención de la cabina:

1. La cabina como elemento de comunicación que deja a un hombre incomunicado.
2. La cabina que se convierte en una jaula. Como en un zoológico, López Vázquez pronto se convierte en espectáculo, donde él mismo es un espectador más de su propia situación, incapaz de actuar, de encontrar una solución.

En una segunda parte del corto, se desarrolla el viaje. La cabina es transportada con protagonista incluido en un camión sin caja. Se trata de un viaje a lo desconocido. Poco consuelo es el ver que otros se encuentran en la misma situación que él y la angustia crece y crece mientras el camión se encuentra cada vez más y más lejos.

Hay que resaltar algo más, del protagonista lo desconocemos prácticamente todo, el nombre, a qué se dedica, quién es, y además no tiene diálogo.

Se dice que este corto representa la situación de parálisis de la sociedad española durante la dictadura franquista.

Años más tarde, un anuncio de Retevisión recuperaría el corto con un López Vázquez que consigue salir de la cabina representando el fin del monopolio de Telefónica.

Grandes Esperanzas

Se trata de la adaptación de la novela homónima de Charles Dickens, cosa que no es nueva, creo recordar que ya hubo una adaptación de David Lean. Pero en este caso la acción se trasladada en el espacio y el tiempo a la contemporaneidad. La película la dirige el mexicano Alfonso Cuarón y en su reparto cuenta, entre otros con Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft y Robert de Niro.

La película la vi ya hace, cuando estudiaba bachillerato... y me fascinó. Me fascinaron las imágenes, me fascinó la banda sonora, me fascinó Gwyneth Paltrow.

Las novelas de Dickens las podríamos definir como trabajos de crítica social a la sociedad de su época. En sus novelas aflora la miseria en contraste con el esplendor victoriano. Se trata de una historia agridulce, de sueños que se cumplen y sueños que se rompen. De la miseria a la cima del mundo, del amor a la desesperación. De caminos que se cruzan y de caminos inciertos. De encuentros y reencuentros. De separaciones, bifurcaciones y "malas jugadas". Amor y venganza. Esperanzas, grandes esperanzas, deseos posibles que a veces se cumplen, otras no.

El evangelio según San Mateo

Se trata de una película filmada por Pier Paolo Pasolini en 1964 sobre la vida de Jesús. ¡Qué bueno es Pasolini, qué buenos son sus primerísimos planos! Bueno, a lo que iba, no voy a hablar aquí ni de Pasolini ni de la figura de Jesús, protagonista involuntario de esta película y por quien siento cierta admiración. Para mi, ésta casi no es una película. Es una maravillosa adaptación del evangelio de San Mateo y la mejor película que he visto sobre la vida de Jesús. Es una película que podría casi catalogarse de documental.

De ella destacaría tres cosas: 1. La austeridad. Austeridad en la indumentaria, austedidad en los paisajes, austeridad en los diálogos, austeridad de efectos especiales (el diablo no se le aparece a Jesús en el desierto, llega caminando desde la lejanía), incluso me atrevería a decir austeridad de carga ideológica, ciñéndose estrictamente al texto biblico. 2. El texto bíblico. Éste se encuentra omnipresente en todo momento en los labios de Jesús (Enrique Irazoqui). Se reconocen fragmentos enteros. 3. La música. Simplemente una delicia para los oidos, una acaricia aterciopelada. En la película se pueden escuchar fragmentos de Bach, de Prokofiev y de música espiritual negra. Si San Mateo en vez de legarnos un manuscrito nos hubiese legado una película, ésta sería sin duda la película.

ON CONNAÎT LA CHANSON (ejemplo de una película bien hecha)

On connaît la chanson, de Alain Resnais es el ejemplo de una película bien hecha de principio a fin.

Bajo la apariencia de una comedia ligera musical se esconde un escrupuloso tratamiento de la imagen y unos diálogos y situaciones cuidados de forma exquisita, que hacen de ésta una película bien cerrada, no sólo en su totalidad, sino también, en cada una de las secuencias de las que se compone.

Encierra un gran número de situaciones tópicas reforzadas por estribillos de canciones típicas francesas puestas en boca de los protagonistas.

Simón, un agente comercial del sector inmobiliario, está secretamente enamorado de Camille, una estudiante de doctorado que se gana la vida como guía turístico; ésta a su vez, se ha enamorado locamente del jefe de Simón, Marc, una especie de playboy egocéntrico y narcisista que le amarga la vida a su empleado Simón.

Odille, la hermana mayor de Camille, se pone en contacto con Marc para comprar un lujoso apartamento. Claude, marido de Odille, teme que el reencuentro de su mujer con Nicolás, un viejo amigo de ella, haga zozobrar su matrimonio, aunque lo cierto es que Claude tiene una amante.

Nicolás también busca apartamento y Simón se encarga de bus´cárselo. Tal hecho los convierte en compañeros inseparables y confidentes, el uno del otro, de sus temores, anhelos y amores.

Como se puede observar en esta comedia el lío está asegurado, pero lo mejor es el excelente desarrollo del guión.

En definitiva, se trata de una película que merece la pena ver.

El salario del miedo

El salario del miedo es una película basada en la novela de Georges Arnaud y realizada en 1953 por el director francés Henri-Georges Clouzot. Se compone claramente de dos partes, una primera, con un cierto interés sociológico, que nos muestra una pequeña ciudad centroamericana a donde van a parar todo tipo de desheredados, una especie de cárcel sin muros a donde es bien fácil llegar pero de donde no se sale tan fácilmente. Recuerda en cierta manera, pero más crudamente, el ambiente inicial de la película Casablanca. Un ambiente claustrofóbico. Por lo demás, observamos ciertas consecuencias de la desigualdad económica y social entre lo que se ha venido a llamar el primer mundo y el tercer mundo. Pobreza, hambre, paro, desesperación y una necesidad de huir. Los recursos naturales (petróleo) se encuentran bajo la explotación de una compañía estadounidense, la corrupción de los agentes locales en la aduana de la precaria pista de aterrizaje siempre es una opción para quien no tiene un visado, pero si algunos dólares. La esperanza de escapar vendrá en la película en forma de una peligrosa misión: la de transportar unas toneladas de nitroglicerina por unas carreteras tortuosas hasta la zona petrolífera donde se necesita para sofocar las llamas de un pozo de petróleo que no deja de arder. Cuatro suicidas seducidos por la paga de un puñado de dólares son los elegidos para conducir los camiones de la muerte. Y aquí se inicia la segunda parte de la película, donde gana interés el aspecto más psicológico. Es ésta segunda parte la que da el sentido al título de la película. Ver cómo estos hombres se enfrentan a una muerte que viaja sobre ruedas, y cómo el miedo crece con cada quilómetro que recorren. Como se suele decir, las condiciones extremas sacan lo mejor y lo peor de cada uno.

Podríamos preguntarnos si todo tiene un precio. O tal vez, si toda tarea está bien pagada. Pero podemos ir más allá de la película. ¿Jugarse la vida por un salario es justo? Y ya no me refiero únicamente al hecho de arriesgar la vida realizando determinadas tareas, sino matar por conseguir un trabajo. Es evidente que la desesperación puede ser una fuente de motivación importante. Pero no olvidemos que se trata de un juego de dos, donde unos se aprovechan de la desesperación de los otros. Eso es precisamente lo que hay detrás de las leyes de la oferta y la demanda aplicadas al salario y al empleo. Desempeñar una tarea determinada no tiene un valor en si mismo en forma de un salario determinado. Eso, evidentemente, lo determina la relación entre la oferta y la demanda. Sin un sistema que proteja y establezca un mínimo de condiciones que garantice un salario justo el trabajador está perdido, ya que la tendencia del empleador ante una abundancia de demandantes de empleo es bajar el salario. Para el empleador, la desesperación del empleado es rentabilidad. Y en la película hay mucha desesperación. En el mundo real también.

FILM NOIR

Los que entienden de cine dan distintas definiciones del "film noir" (cine negro) dependiendo si su origen es europeo, estadounidense o asiático. Para unos reflejan la otra cara de los espejismos del llamado sueño americano, otros rechazan las producciones que no tratan de una época contemporánea del rodaje, otros incluyen obras que se desarrollan en el pasado o incluso en el futuro, pero la cosa no acaba aquí. Muchos creen que sólo forman parte de este grupo las películas en blanco y negro (yo me incluyo en entre ellos, claro que yo no soy una experta) y otros incluyen también las filmadas en color. Finalmente estan los que opinan que este tipo de cine se dejo de hacer a finales de la década delos cincuenta, claro que también esta el que opina que la industria del cine nunca ha dejado de producirlas.

Como se puede observar hay opiniones muy diversas y estas contradicciones de donde o como ubicar este tipo de cine se deben a que la denominación "film noir" (cine negro) -que no se debe confundir con las Black Movies producidas desde 1911 y destinadas al público afroamericano- (de esto último no sabía nada hasta hace unos días, que lo leí en algún sitio) es un término inventado por los franceses que servirá de referencia a los estudiantes anglosajones desde finales de los años sesenta para identificar un tipo de películas rodadas en Hollywood entro los años 1944 y 1959. También sostienen que el cine negro no es un "género" específico, como lo son los musicales o las pelis del oeste (western), tampoco un movimiento artístico, como las filmadas en Europa por ejemplo el neorrealismo italiano. Actualmente, los críticos de cine engloban en esta etiqueta todas las películas policíacas de la historia del cine ya sean pasadas, presentes o futuras.

Como ya mencioné antes "film noir" (cine negro) para mi son esas pelis que de niña me cautivaron, con gansters muy malos, con mujeres tan bellas como fatales y con tipos duros que siempre se llevaban las chicas de calle y que decir de esas melodías, casi siempre jazz del bueno, que acompañaban a estos personajes en toda la trama, claro que hoy en día se podrán o se harán películas con estes ingredientes, pero sin la magia del blanco y negro hacen a mi parecer que ya no sean lo mismo.

El Álamo

La primera película que recuerdo haber visto es El Álamo, un western sobre la independencia de Texas de México. La película, creo que la única dirigida por John Wayne, y en la que se jugó su dinero produciéndola, es de 1960. Así que, o bien, se estrenó con bastante retraso en España, cosa que no acabaría de ser extraño, o bien, la ví en uno de esos cines de reestreno que tanto habían por nuestra geografía.

La película en cuestión no deja de ser una apología del patriotismo de unos héroes dispuestos a dar la vida por su patria, convirtiéndolo en una cuestión de honor y hombría, como en la escena en que tras la invitación del general Santa Ana a abandonar el sitio a los no-combatientes, un casado que duda en irse acaba siendo empujado por su mujer a quedarse porque "es tan hombre como pueda serlo cualquiera de vosotros... y es su deber". En el film, todo está sobredimensionado, desde la exaltación del patriotismo hasta el número de muertes del bando mexicano pasando por los actos de heroicidad de sus protagonistas. Por si eso fuera poco, por todos lados rezuman discursos moralistas. Además se tergiversa la realidad. En otra de las escenas, un negro al que uno de los protagonistas acaba de conceder la libertad (recordemos que la esclavitud era legal en Estados Unidos hasta su abolición en 1865), al adquirir esta libertad decide quedarse porque ahora que tiene "derecho a decidir lo que quiera hacer, me parece que para eso estan luchando ustedes, así que creo que me quedo"... cuando uno de los problemas que tenían los tejanos con su integración en México era que allí la esclavitud era ilegal. Aunque en la película apenas aparece mencionado, se trata de una sublevación alentada por los Estados Unidos contra la soberanía legítima de México, con acciones como el contrabando de armas o el envío de soldados y oficiales haciéndose pasar por "colonos" o "voluntarios".

El asedio a El Álamo, una antigua misión española transformada en fuerte que tuvo lugar en los 12 días anteriores a la batalla definitiva del día 6 de marzo de 1836, acaba en tragedia, lo que le da una mayor dimensión heroica y mítica.

La acción, que se centra en los tres comandantes rebeldes transformados en héroes, también se encuentra tergiversada. Travis (Laurence Harvey), el coronel al mando, murió al poco de iniciarse la batalla. Bowie (Richard Widmark), un aventurero mercenario con intereses especulativos en la región, murió de tuberculosis, o tifoidea, unas horas antes del inicio de la contienda. El tercero de ellos, Crockett (John Wayne), oficial estadounidense al mando de una milicia de voluntarios de Tennessee, y que en la película lucha hasta el final, en realidad lo encontraron las tropas mexicanas escondido entre las mujeres. Todos estos detalles fueron difundidos por The History Channel en un documental llamado "Recordando El Álamo".

LOS INICIOS DEL CINE Y SU POLÉMICA

En sus comienzos, como es lógico, el cine carecía de una crítica especializada, de este modo, no es de extrañar que los primeros teóricos que se aventuraron a lanzar las primeras teorías vinieran del mundo literario como los formalistas rusos, por poner un ejemplo.
Este incipiente arte contó tanto con acérrimos defensores como detractores. Estos últimos trataron de quitarle un prestigio con el que aún no contaba.
Uno de los primeros debates que todavía tiene vigencia en la actualidad fue si el cine podía considerarse un arte o, por el contrario, era un mero registro mecánico de fenómenos visuales.
Afortunadamente, un gran número de teóricos de los primeros años trataron de demostrar las potencialidades artísticas del cine. Para demostrar que la humanidad se hallaba delante de un arte tan legítimo como cualquier otro, dichos teóricos se centraron tanto en la diferenciación del medio cinematográfico con respecto a las demás artes, así como en su posible relación con ellas. De tal modo se creyó que el cine absorbería el resto de artes espaciales (arquitectura, escultura y pintura) y también las temporales (poesía, música y danza).
Rudolf Arheim afirmó “el cine es el arte por excelencia, su única pretensión ha sido entretener y distraer; ha vencido a las artes anteriores en cuanto a belleza se trata”.
Diecisiete años antes de las manifestaciones de Arheim, en 1916, un manifiesto futurista, El cine futurista, reclamaba el reconocimiento del cine como arte autónomo y que no debía imitar al teatro.
En el cine puro, el ideal era desprenderse de todo elemento que no fuera puramente cinematográfico. – Pero cómo conseguirlo cuando una de las principales cosas que nos ha enseñado el S. XX es la interdisciplinariedad tanto en el terreno de las artes como en el de la crítica.
Canudo en 1926, con sus teorías impresionistas sugirió que el cine sería como una pintura y una escultura evolucionando en el tiempo. Es probable que Canudo tuviera en mente el Laocoonte de Lessing a la hora de realizar tales afirmaciones.
Otro ejemplo de la visión del cine como arte es el que pone Louis Deluc en Cinéma et cia 1919, cuando promulga que el cine es el único arte verdaderamente moderno ya que emplea la tecnología para estilizar la vida real. Esto se verá cuestionado más tarde por el Neorrealismo italiano y el cinéma verité francés.
Germaine Dulac nos dice que el cine es el arte de la visión. Para él, el movimiento y el ritmo constituían la esencia única e íntima de la visión cinematográfica. Aunque a priori nos pueda parecer una perogrullada, la visión del cine como medio exclusivamente visual generará un ferviente debate a partir de la llegada del sonoro en los años 30.
Como se puede observar, el nacimiento del nuevo arte provocó numerosos debates y polémicas en boca de una crítica que paulatinamente se iba especializando cada vez más en este medio.

Presentación

24 fotogramas por segundo, como la gran mayoría sabrá, es la carencia que usa el cinematógrafo actual para crear la ilusión del movimiento en el cerebro humano. Los fotogramas proyectados a esta frecuencia, provocan en el cerebro una saturación que hace que sea incapaz de verlos como fotografías separadas. De ahí que la ilusión esté presente en el cine desde su mismo origen en los fundamentos físicos en que se basa la propia máquina. Pero no sólo en el plano técnico encontramos la ilusión. Georges Méliès, un ilusionista, fue uno de los primeros en interesarse por este nuevo artefacto de la tecnología, una máquina que era, y es, capaz de engañar al ojo humano.

Así pues, 24 fotogramas por segundo, como ya se habrá intuido, es un blog dedicado al cine. Los colaboradores que participamos, sin embargo, no vivimos del cine. Somos meros espectadores, que no es poco. ¿Qué sería del cine sin espectadores? Con esto se pretende subrayar el hecho que no somos expertos, lo cual no supone un problema, ya que no aspiramos a serlo. Se parte del presupuesto de que cada uno de nosotros, como espectador, tiene un cierto criterio. Unas películas nos seducen y otras no. O en una misma película cada uno de nosotros puede encontrar interesante unos aspectos u otros. Es evidente que nuestras experiencias, nuestro conocimiento previo, nuestras historias particulares, condicionan nuestra manera de ver, de interpretar. El compartir estas diferentes perspectivas nos puede enriquecer mutuamente, despertando el interés por otras películas o abrirnos una ventana a otros aspectos. Incluso generar debate entorno a ello. Esta es la razón de ser de este espacio común. Un lugar donde compartir conocimientos sobre cine, donde opinar sobre películas que por algún motivo nos han llamado la atención, generando interés y reflexiones.

Como se ve (para quienes ya están familiarizados con los blogs les parecerá obvio), el sitio consta de un cuerpo central donde se visualiza los últimos artículos publicados y un menú lateral a la derecha. Este menú está encabezado por un enlace al inicio del blog, un enlace a esta presentación y un enlace para contactar con nosotros para cualquier sugerencia que se quiera hacer o, incluso, solicitar colaborar en la publicación de artículos. A continuación se pueden encontrar algunas imágenes de películas, actores, actrices, directores y directoras, así como algunos carteles y carátulas. Entre ambos se encuentra una columna con fragmentos de películas. Estas imágenes se irán cambiando, o añadiendo nuevas, según las sugerencias de los colaboradores y comentaristas. Además encontrareis un archivo cronológico y una lista de categorías que pretende establecer un cierto ordenamiento de los escritos publicados de manera que facilite la búsqueda a los lectores. Estas categorías hacen referencia al tipo de escritos publicados, ya sean sobre actualidad, cortometrajes, largometrajes, documentales, festivales, historia(s) del cine o teoría del cine. No se descarta añadir una lista de lugares de interés donde encontrar información sobre el mundo del cine.

Para acabar, una pequeña declaración de carácter legal: el presente blog tiene por finalidad contribuir a la difusión de la cultura en general y fomentar el interés por el cine en particular. Como se puede comprobar, no existe publicidad alguna más allá de la propia que ofrece el soporte Blogger y la columna de videos de YouTube, ni se abre ninguna ventana publicitaria. No se vende nada ni se pide ningún tipo de donativo económico. Se trata, pues, de un blog de carácter altruista y sin ánimo de lucro.